奥古斯特·罗丹（1840—1917）是连接古典主义与现代主义的关键人物。作为19世纪最具影响力的法国雕塑家，他打破了学院派的僵化束缚，将对人性的深刻思考与对生命的炽热感悟融入每一件作品。萧伯纳曾评价他拥有"上帝之手"，这个评价准确概括了罗丹在雕塑艺术中的超越性地位。 罗丹的艺术成就源于其独特的创作理念。他主张"艺术即感情"，认为真正的艺术作品应当承载艺术家的内心世界与精神追求。这一理念在其浩瀚的创作中得到充分体现。据统计，罗丹一生创作青铜作品近200件，大理石、石膏、赤陶等作品约百件，形成了一个庞大而丰富的艺术体系。其中，《思想者》以其深沉的哲学意蕴成为现代雕塑的象征；《青铜时代》展现了人类从蒙昧走向觉醒的精神历程；《加莱义民》则以悲壮的群像诠释了人性中的坚贞与牺牲；《巴尔扎克》突破了传统肖像雕塑的局限，创造了一个充满生命力的文学巨人形象。 罗丹艺术创新的深层原因在于他对人生的独特体悟。从早年的困顿求索到创作高峰的到来，罗丹的人生轨迹本身就是一部关于坚持与蜕变的史诗。他用刻刀在石头上留下的每一道痕迹，都是对生命意义的追问与诠释。《行走的人》这件作品尤其说明了这一点——残缺的躯体却传达出坚毅前行的精神力量，成为现代主义艺术中关于人生困境与精神超越的永恒隐喻。 罗丹艺术的历史影响是深远而持久的。他的作品不仅改变了雕塑艺术的发展方向，更为整个现代艺术运动提供了思想资源。他打破了古典主义的理想化追求，引入了印象主义的光影变化，同时又保持了对人性深度的执着关注。这种融合使得他的作品既具有古典的庄严感，又洋溢着现代的生命活力。他的创新实践为后来的现代主义艺术家开辟了新的道路，使得雕塑艺术从纯粹的形式美追求转向对人的精神世界的探索。 本次讲座由策展人罗依尔主讲，他长期从事跨文化艺术研究，曾任职中华艺术宫国际部，著有《敦煌遇见卢浮宫》等著作，具有深厚的艺术理论素养和国际视野。讲座通过系统梳理罗丹的创作历程与代表作品，帮助听众理解这位大师如何在个人的精神追求与艺术创新之间找到平衡点，进而为世界艺术史留下不朽的坐标。
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